Si l’on posait cette question aux artistes modernes, ils nous diraient que ce sont les couleurs audacieuses et puissantes, libres de toute obligation d’imitation. L’œuvre d’Henri Matisse intitulée La raie verte (ou Madame Matisse) représente bien cette vision moderne de la couleur en osant l’absinthe à l’arête du nez, le zinzolin aux sourcils et la citrouille au menton… Ce portrait, chère lectrice, cher lecteur, est celui de sa femme.
Par contre, si l’on posait cette même question aux artistes classiques, ces derniers soutiendraient que ce sont les couleurs justes, riches et modelées à souhait, celles qui permettent de rendre la délicatesse de la carnation ou encore le raffinement des plus belles étoffes. La jeune fille à la perle, portrait peint en 1665 par l’artiste néerlandais Vermeer, représente bien ce désir des artistes classiques de pousser la couleur (et la lumière) jusqu’à faire jaillir une présence ressentie comme « réelle ».
La couleur, c’est très souvent le grand amour des artistes. Même dans les années où le dessin prévalait sur la couleur, cette dernière a toujours su tirer son épingle du jeu, intriguant par sa nature même, son procédé de fabrication, ou encore par sa grande valeur. Devinez pourquoi, pendant longtemps, le bleu d’outremer, historiquement obtenu par le broyage de la pierre précieuse nommée lapis-lazuli, a été réservé à la Vierge…
À la couleur, personne n’est indifférent, pas même, voire surtout pas, les enfants! Il va sans dire que sans elle, la vie serait bien ennuyeuse.
COLORIER, COLORER OU COULEURER
C’est sur cette prémisse qu’a été conçue l’exposition interactive Colorier, colorer, couleurer,produite par le Centre d’exposition Raymond-Lasnier de Trois-Rivières, et présentée au Centre d’exposition d’Amos jusqu’au 6 novembre prochain.
Entièrement consacrée à la couleur – et aux enfants de 3 à 10 ans! –, cette exposition est basée sur le conte de Diane Longpré intitulé Tirer ses ficelles. Au cœur de cette histoire se trouve un personnage dont l’univers a été complètement lessivé de ses couleurs à la suite d’une longue pluie d’été… Comme c’est triste et ennuyeux! La mission du jeune public est donc claire : intervenir tout au long du parcours afin de remettre de la couleur dans la vie du personnage!
Une courte vidéo résumant l’histoire accueille d’abord les enfants afin de les mettre en contexte. On les invite ensuite à plonger dans l’univers de création qui prendra vie dans la mesure de l’imaginaire et de l’aisance de chacun.
On demande donc aux enfants de poser différents gestes artistiques, tels que colorier un paysage, planter des légumes dans un potager ou encore mettre de la couleur sur les murs d’une maison.
Ces gestes, plus ou moins complexes, stimulent bien sûr l’imaginaire, les habiletés motrices et langagières, mais nourrissent également la confiance en soi et l’identité de ces jeunes artistes. Se projeter dans un grand paysage en noir et blanc, affirmer ses choix de couleur, douter, et peut-être même se comparer aux autres, voilà un processus bien connu qui, ici, est associé au plaisir du jeu et de la perception de la couleur.
Guides, parents, sachez que vous êtes ici d’une complicité précieuse! N’hésitez pas à questionner les enfants, à leur demander pourquoi ils ont choisi cette couleur ou encore ce que la couleur représente pour eux. Selon l’âge des enfants, les questions varient en profondeur, évidemment, mais il n’en reste pas moins que chaque enfant qui participe à l’exposition fait des choix et ose les exprimer dans un espace public. Cela est déjà remarquable, dans les sens littéral et figuré du terme.
Les espaces de cette exposition ont été pensés pour vous accueillir, vous, familles, que vous soyez petites, moyennes ou grandes! Car la confiance en soi et l’identité se développent tellement plus facilement lorsque, comme enfant, on se sent reconnu, appuyé et parfois même mis au défi dans un milieu de confiance et de camaraderie.
Et si toute cette belle aventure humaine pouvait commencer ici, tout simplement, avec une tache de couleur?
HÉLÈNE ET SON MARI : ILS-ELLES SE SONT RETROUVÉ-ES AU BOUT DE TA RUE
Avec l’exposition Ils-elles se sont retrouvé-es au bout de ta rue du duo Hélène et son mari, constitué de la céramiste Hélène Chouinard et de son mari – oui, son vrai mari – « l’artisan artiste » Jean-Robert Drouillard, ne cherchez pas de fil narratif ni de personnage à sauver d’un monde de grisaille; le propos de cet « étalage coloré » est d’une tout autre nature.
Tous deux diplômés de la Maison des métiers d’art de Québec, Hélène et Jean-Robert s’interrogeaient depuis déjà quelques années à propos de l’existence d’un point de rencontre possible entre les métiers d’art et les arts visuels. Ne pourrait-il pas y avoir un dialogue entre ces deux pratiques? Ne pourraient-elles pas se mettre en valeur l’une l’autre, dévoilant ainsi un nouveau territoire d’exploration? Et si un décloisonnement permettait à la fois de conserver les pratiques traditionnelles et de les réinventer?
C’est dans cet esprit que vous sont présentés les deux éléments principaux de cette exposition : des porcelaines finement colorées de formes variées, accumulées et étalées, et des sculptures figuratives en plâtre aux tons agencés. Au premier coup d’œil, le seul pont entre les deux univers est la couleur, mais pas n’importe laquelle.
C’est Hélène qui donne le ton avec le délicat pastel de ses bouteilles et de ses gobelets. Je vous invite à porter votre attention sur deux choses particulièrement remarquables dans ce travail de céramique. Tout d’abord, la densité chromatique, et ensuite, la subtilité des nombreuses déclinaisons de tons. En effet, voilà environ 600 bouteilles et 250 gobelets qui se présentent à vous, habillés d’une robe de couleur particulière, résultat d’une recette exclusive. On comprend donc que l’argile de toutes ces bouteilles a été colorée à même la masse (non, rien n’y est peint) à l’aide d’un ratio de pigments précisément calculé pour chacun des objets. Pour arriver à un résultat de cette qualité et de cette constance, Hélène utilise… de nombreux tableaux Excel remplis de formules afin de décliner les tons de manière systématique! Pourrait-on imaginer une démarche aussi rigoureusement mathématique derrière une production qui dégage autant de simplicité?
Bien sûr, cette partie du travail d’Hélène correspond pleinement à une production de métiers d’art, c’est-à-dire le respect d’une technique traditionnelle (la porcelaine), la minutie du geste, la démarche de longue haleine qui requiert de la patience et de la concentration, etc.
Or, et c’est une vision bien personnelle que je propose de l’installation, j’ai l’impression que ce corpus appartient tout autant au monde des métiers d’art que des arts visuels. Attention cependant, ce n’est pas parce que ce sont des pièces dites « d’expression » (les bouteilles, par exemple, sont pleinement fonctionnelles, et les gobelets pourraient l’être dans une certaine mesure), mais bien par leur disposition dans l’espace.
Pour moi, quelques références à de grands courants ou types d’œuvres de l’histoire des arts visuels s’imposent à la spectatrice et au spectateur. On pense d’abord à l’objet du quotidien (la bouteille, le gobelet) élevé au statut d’œuvre d’art par les artistes du pop art, de même qu’à la répétition des motifs que ces artistes popularisent, notamment avec les portraits sérigraphiés de personnages célèbres, dont ceux de Marilyn Monroe.
Aussi, je ne peux m’empêcher d’y voir un clin d’œil aux œuvres d’art optique, lesquelles interviennent sur les relations entre les couleurs afin d’avoir un impact sur la perception de la spectatrice et du spectateur.
Finalement, il est primordial de considérer le type d’œuvre que nous avons sous les yeux, c’est-à-dire une installation. Pratique artistique popularisée dans les années 1970, celle-ci implique à la fois la spectatrice ou le spectateur et l’espace dans lequel elle ou il se trouve, afin de lui offrir une expérience qui dépasse la simple appréciation visuelle.
Ce volet installation se « vit » dans la petite salle derrière l’étalage de bouteilles, dans laquelle on peut marcher et être traversé du même coup par les ombres généreuses créées par les bouteilles. Voilà un travail de l’espace et de la lumière qui transporte la spectatrice ou le spectateur dans un univers en noir et blanc à l’intérieur duquel la présence de l’objet est dématérialisée et la couleur, évacuée.
Bien sûr, il y aurait d’autres éléments à relever concernant ce sujet fort intéressant du rapport métiers d’art/arts visuels, notamment en ce qui concerne le traitement des éléments sculpturaux, mais je vous laisse le soin de continuer cette discussion lors de votre visite. Comme j’aimerais vous entendre à ce propos…
Alors, et si les métiers d’art et les arts visuels se retrouvaient au bout de ta rue, qu’en dirais-tu? Eh bien, Hélène et son mari ont sans contredit annoncé leurs couleurs là-dessus.
L’Indice bohémien souhaite remercier chaleureusement Hélène Chouinard et Jean-Robert Drouillard, artistes, ainsi que Marianne Trudel, chef de division du Centre d’exposition pour leur accueil chaleureux.
